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Estrellas sin sentido, palabras sin sentido y un mundo sin sentido

Brainwash Gang ha tenido un año bastante movido, siendo Grotto el tercer título que publican en 2021. Después del gran recibimiento que tuvo la nueva versión del ya clásico Nongunz y la grata sorpresa que significó The Longest Road On Earth, las expectativas por este nuevo título eran bastante altas.

Por suerte para todos, el estudio lo ha vuelto a hacer, entregando esta vez una experiencia narrativa muy especial, donde la mística y las estrellas serán las encargadas de encaminar una civilización entera.

El augur, aquel capaz de hablar con las estrellas

Grotto nos pondrá en la piel del augur, un cargo que proviene de la Antigua Roma, siendo estos los sacerdotes que practicaban la adivinación. Más en concreto, se encargaban de determinar el augurio de su pueblo a través de eventos naturales, relacionados con el cielo y los animales.

Las tareas de este cargo se trasladan a nuestra pequeña cueva, donde tendremos que guiar al pueblo desde las sombras.

Al ser Grotto una experiencia narrativa, su punto fuerte radica en la historia, un apartado que nos dejará más que satisfechos.

Día tras día recibiremos visitas de diferentes miembros del pueblo, viéndonos obligados a utilizar las estrellas para comunicarnos. En la parte posterior de la cueva, encontraremos una pequeña apertura donde tendremos que dibujar constelaciones para ubicarlas en una pared.

Utilizando esta pared, podremos seleccionar constelaciones, cada una con su nombre y una pequeña descripción a forma de relato. Desde el primer momento podremos formar las que queramos en el cielo, no obstante, sus formas aparecerán en la pared cuando se necesiten.
Cada habitante del pueblo tiene sus propios problemas y será nuestra tarea guiarlos, y, en consecuencia, guiar el futuro del pueblo.

Dentro de Grotto no hay una opción correcta, pues la historia sigue fluyendo sin importar lo que decidamos, recayendo la responsabilidad por completo en el jugador.
Un aspecto notable dentro de su historia, es la consecuencia directa de nuestras acciones. Si bien son las estrellas las que hablan, nosotros somos los que escogemos, provocando acciones que pueden alterar el curso de los hechos por completo.

Conócete a ti mismo

En rasgos generales, la historia que Grotto abarca se remonta a cientos de años en el pasado, con tribus que recién empezaban a expandirse.

Debido a esto, tendremos que plantar cara a problemas poco convencionales. ¿Quién es el mejor jefe para la tribu?, ¿es mejor procrear con libertad o restringirlo a una noche en comunidad?, ¿qué enseñanzas son más importantes para los niños? ¿existe el corazón de la montaña que concede deseos?

Independientemente de la verdad, lo moralmente correcto o lo mejor para el futuro, la elección está en ti. Dichas elecciones tienen consecuencias que podremos vivir en carne propia, viendo como mueren personajes o como el rumbo del pueblo se ve alterado por nuestros augurios.

Acompañando a las estrellas, tendremos herramientas que nos permitirán comunicarnos con aquellos que ya no están, aconsejándonos según lo que ellos consideren adecuado. ¿Harás caso a los consejos o forjarás tu propio camino? ¡Escoge con cabeza!

Voces del más allá y dibujos del más acá

Hecho el chiste, es hora de hablar del apartado artístico de Grotto. A nivel visual, nos encontramos con una estética que asemeja a un cómic, combinando elementos 2D y 3D con unas líneas y sombreado muy marcados.

Sumado a esto, tenemos una paleta de colores donde predominan los tonos pardos y verdosos, afianzando una sensación de soledad producto de la lúgubre cueva donde nos encontramos.

Lo de dibujos del más acá no ha sido en vano, puesto que la cámara de Grotto nos pondrá muy cerca de los personajes, permitiéndonos apreciar sus increíbles diseños y los cambios que sufren.

En una época donde las mutilaciones y torturas eran el pan de cada día, ver heridas vendadas y prendas que pertenecieron a un ser querido, será algo a lo que tendremos que acostumbrarnos mientras juguemos.

Para finalizar este apartado me gustaría mencionar el juego con la iluminación, hecho a propósito para marcar nuestros pasos e indicarnos de forma clara a donde tenemos que ir. Los efectos utilizados para dotar al fuego de un color verde, le sienta increíble a su estética.

El apartado sonoro se encuentra nuevamente en manos de Beícoli, creando melodías que nos harán sentir inmersos en un mundo místico y misterioso con su voz.

La música es capaz de acompañar la experiencia de buena manera, sabiendo cuando detenerse y darle prioridad a sonidos ambientales como nuestros pasos y las flameantes llamas de la fogata.

No obstante, se echa de menos un poco de variedad en las pistas de Grotto, pues la mayor parte del tiempo estaremos escuchando la misma canción en bucle.

Tirando huesos decidí el futuro de mi pueblo

Sin lugar a dudas, Grotto es una de las experiencias más originales que podrás probar este año. Dejando de lado sus errores, Brainwash Gang ha tomado una decisión riesgosa, pero, el resultado ha sido excelente.

Un agradecimiento especial a Edu por darnos la oportunidad de probar este gran título y al que deseamos le vaya muy bien.

Es importante mencionar que Grotto actualmente no cuenta con una traducción al español, pero, sí hay planes de localizarlo. Claro está, todo depende de las ventas que reciban, así que comprarlo desde ahora será de gran ayuda para acelerar este proceso. El equipo se ha tomado esto con mucho humor, algo que reflejan en este pequeño video.que han colgado en su Twitter.

Dirige el futuro de tu pueblo desde una cueva con acceso a las estrellas, piensa con cabeza lo que decides y tira huesos para recibir consejos. Grotto es una experiencia única y con una trama que refleja el poder de nuestras decisiones, ¿quién diría que ser sacerdote sería tan divertido?



Historia: 9/10.

Gráficos: 8/10.

Mecánicas: 7/10.

Música/Sonido: 7/10.

Ambientación: 10/10.

Media global: 8.2/10.

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La simple historia de un bombero

La Ludum Dare ha sido una herramienta que ha dado rienda suelta a la imaginación de los desarrolladores independientes, presentándoles una prueba retadora que sacará lo mejor de si mismos. Esta Game Jam fue el lugar donde salió la idea para la creación de Nuclear Blaze, una experiencia corta a la par de divertida y ██████.

Nuclear Blaze ha sido desarrollado por Deepnight Games, el hombre que estuvo a la cabeza en el desarrollo de Dead Cells, aquel espectacular juego del 2017 que acuñó el género rogue-vania.

En esta oportunidad, nos presenta una aventura de plataformas y puzles donde deberemos movernos rápido para cumplir nuestro trabajo.

Nivel de seguridad 4 o ██ para avanzar

Cada que vez que algún medio de entretenimiento decide adaptar una historia de bomberos, nos suelen presentar una situación dramática donde las llamas son una amenaza de alto nivel. Por otro lado, Nuclear Blaze apuesta por una situación más cómica e intensa.

La duración del título es inferior a 2 horas, pues como comenté al principio, está basado en un juego realizado para una Game Jam. Durante este tiempo, seremos los encargados de explorar unas instalaciones que parecen inofensivas por fuera, pero que en realidad ocultan ████.

Nuestro pequeño bombero tendrá la labor de recorrer este edificio y extinguir el fuego con ayuda de su manguera. También tendremos que salvar uno que otro gatito escondido por el mapa, los cuales revelan ████████ al final de la partida.

A pesar de su corta duración, los distintos documentos abandonados que hay por los niveles nos mantendrán en un suspenso constante por descubrir qué hay oculto detrás del fuego. Quizás sea un poco rebuscado, pero, las técnicas narrativas se apoyan en los conceptos más básicos del trabajo de un bombero para desvelar poco a poco su historia.

Plataformas, llamas y amenazas

Nuclear Blaze es un plataformas de acción con elementos de puzles y exploración, o dicho de otra forma: tendremos que hacer saltos precisos y apagar el fuego disperso por el nivel en un orden concreto.

Nada más empezar, estaremos equipados con una manguera y un pequeño suministro de agua para la misma, el cual se agota conforme lo usemos. Para recargar el agua será necesario acercarnos a uno de los tanques que la contienen, los cuales están ubicados detrás de las llamas.

El fuego produce destrucción en todo su esplendor, incluyendo una mecánica que le permite avanzar por el suelo y las paredes si no se extingue por completo. Así mismo, contamos con un fuego morado que se esparce con mayor facilidad y la peligrosa electricidad.

Para lograr sortear con éxito estas amenazas, conseguiremos mejoras que serán de gran ayuda, tales como la voltereta y el tanque de agua grande.

Hay que tener mucho cuidado y precisión al movernos, pues moriremos de un solo toque. Cuidarse de las llamas no es un trabajo muy complicado, pero, habrá ocasiones donde deberemos movernos rápido y un salto mal calculado puede hacernos reiniciar todo el nivel.

Algunas secciones pondrán a prueba la rapidez mediante objetos que explotan en un tiempo específico, mientras que otros utilizan los puzles para obstaculizar nuestro avance.

¡Los niños aman el fuego!

Deepnight Games ha hecho un excelente trabajo en pro de la accesibilidad de Nuclear Blaze. Siguiendo el camino que pavimentó Celeste tras su salida en 2018, el debate de la dificultad en los videojuegos no ha parado de tomarlo como ejemplo.

El título no incluye un selector de dificultad, sino que presenta una barra ajustable. Cambiar el nivel de desafío es tan simple como deslizar la barra hacía la izquierda o derecha, un cambio que se realizará de forma instantánea.

Sumado a esto, contamos con el “Modo para niños”, un agregado que se hizo pensando en el hijo del desarrollador, un pequeño de 3 años que adora los bomberos. Activándolo, el bombero no podrá morir, contando además con agua infinita que se apunta sola y niveles simples de explorar.

Un agregado muy útil para los más pequeños y que sin duda se aprecia bastante.

Un mundo en llamas

A nivel artístico, Nuclear Blaze bebe mucho de Dead Cells, manejando un pixel art y una paleta de colores muy similares. Sin embargo, esto no es un impedimento para una creación más original, pues el cambio en cuanto a los escenarios es más que notable.

Los escenarios no varían mucho en su diseño visual, algo entendible tomando en cuenta que todo se lleva a cabo dentro de un edificio. A pesar de esto, cada nivel cuenta con agregados únicos y un decorado que sí que va cambiando.

No se puede dejar pasar las animaciones y el diseño del fuego, algo que se lleva todas las palmas. Los efectos creados para reflejar las llamas son hermosos a nivel visual y funcionan perfectamente en el gameplay.

De igual manera, las animaciones de Nuclear Blaze son sumamente satisfactorias de ver, pues desde el agua hasta el movimiento de nuestro personaje está dotado de una gran fluidez.

En cuanto a la banda sonora, nos encontramos con composiciones muy retro que homenajean a los juegos clásicos. Esto sumado a un filtro visual que asemeja a una pantalla antigua, logra crear una experiencia muy inmersiva.

Además de esto, la banda sonora se apoya en melodías rápidas cargadas de frenetismo, impulsándonos a realizar nuestras actividades de bombero en el menor tiempo posible.

Quizás el verdadero tesoro son los gatitos que conocimos en el camino

Experiencias como Nuclear Blaze nos demuestran que los juegos arcade breves pueden ser de gran calidad cuando se hacen con cariño.

Sumérgete en estas instalaciones de dudosa índole y descubre ██████ mientras te diviertes y superas las llamas. Un diseño de niveles genial, una historia original ¡y muchos gatitos! Ponte el casco y las botas y prepárate para conseguir ██████.



Historia: 7/10.

Gráficos: 9/10.

Jugabilidad: 9/10.

Música/Sonido: 8/10.

Diversión: 10/10.

Media global: 8.6/10.

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Una aventura a todo color

Pocas veces en el mundo de los videojuegos llega al mercado un producto tan original como Eastward. Con unas inspiraciones más que claras y un apartado artístico insuperable, nos encontramos con una aventura hermosa en todo el sentido de la palabra, dispuesta a evocar nostalgia y marcar un precedente en el género de aventuras.

La alegoría de la caverna

John y Sam son dos habitantes de Potcrock Isle, un pequeño pueblo minero bajo tierra controlado por el terrible alcalde Hoffman; asimismo, serán nuestros protagonistas. A pesar de intentar llevar una vida normal, una serie de eventos los llevarán a la superficie a descubrir todo lo que se les había ocultado por tanto tiempo.

Una historia sencilla que toma una fuerte inspiración de títulos como Earthbound y The Legend Of Zelda, terminará por demostrarnos que el camino siempre será más importante que el destino.

Pese a su ritmo calmado y que puede tornarse lento para algunos, se encuentra una bonita historia que cuenta mucho más de lo que se ve a simple vista. Una de estas cosas de las que hablo es la relación entre John y Sam, los cuales se quedarán sin duda en el corazón de muchos.

Nuestros dos protagonistas siguen el tópico que rodea la relación de un padre adoptivo y su hija. Esta relación se ve potenciada en gran medida por la incapacidad para hablar de John, algo típico en juegos de este estilo.

Por otro lado, Sam derrocha carisma en cada paso que da. La pequeña niña con poderes misteriosos y cabello de algodón será un acompañante perfecto para nuestra aventura, robándose el protagonismo en todo momento.

¡Pégale con la sartén!

Si Eastward logra dominar con maestría uno de sus apartados, ese es sin duda sus mecánicas. El título nos presenta un combate variado gracias no solo a su amplio arsenal, sino a la posibilidad de manejar dos personajes en simultáneo.

En primer lugar, tenemos a John, el encargado de la mayor parte de la acción. Este agradable señor empezará limpiando zonas con una sartén para luego hacerse con un variopinto arsenal de armas.

Sam, por otro lado, empezará con una habilidad que le permite disparar pequeñas ondas psíquicas que destruyen objetos específicos y paralizan a los enemigos por un pequeño periodo de tiempo. Es cierto que más adelante se desbloquean nuevas habilidades, pero la mayor parte del tiempo solo utilizaremos esta.

Exploración de mazmorras, muchos puzles y unas cuantas amenazas

Siguiendo las normas que plantea el combate, el diseño de niveles de Eastward está hecho para dar luz a puzles que aprovechen al máximo las habilidades de nuestros protagonistas.

Quizás el mayor de sus pecados recae en la ausencia de dificultad. Tanto los jefes como las zonas a explorar son fáciles de superar, sin importar las habilidades del jugador. De igual manera, los puzles no suponen mayor reto para nuestro ingenio.

Por consecuencia de esto, unos cuantos podrán tildar al título de casual, algo que no tiene nada de malo. Sin embargo, dejando esto de lado, sus mecánicas y diseño de niveles están pulidos hasta el más mínimo detalle, por lo que no será algo que arruine la experiencia.

Un mundo de película

Honestamente, Eastward tiene uno de los mejores apartados artísticos que he podido disfrutar a lo largo de mi vida. No es solo su pixelart cuidado hasta el más mínimo detalle, su paleta de colores con tonos cálidos ni su música que encaja perfectamente con la atmósfera, sino la combinación de todos estos aspectos juntos lo que eleva la experiencia a un nuevo nivel.

Decir que el mundo de Eastward parece de película no es algo soltado al azar, pues encontrar a Hayao Miyazaki nada más comenzar ya nos indica algo. Su mundo y cada uno de sus detalles beben mucho del anime, en especial de las películas lanzadas por Studio Ghibli.

Gracias a esto, el juego logra convertirse en una experiencia muy contemplativa, donde pararse un rato a admirar los detalles gráficos valen cada segundo.
El apartado artístico del título no se queda en lo gráfico, puesto que a nivel auditivo es tan hermoso como este. Cada melodía, sonido e incluso las “voces” de los personajes encajan perfectamente con el mundo.

Desde tonadas nostálgicas inspirados en RPG clásicos, pasando por ritmos más movidos que suman diversión al combate y terminando con música tranquila en la que nos podemos perder durante horas. ¡Todo está perfectamente orquestado!

Todo esto da como resultado una atmósfera y un mundo que se sienten naturales y creíbles. Un mundo en el que vale la pena adentrarse y perderse durante horas.

¿Quieres guardar tus memorias?

Parece que a los desarrolladores no les ha bastado con crear una experiencia artística fenomenal, sino que también han agregado mucha originalidad y puesto atención hasta el más mínimo detalle.

Algo que me ha resultado cuanto menos curioso son sus puntos de guardado, los cuales consisten un hibrido de refrigerador y TV que suelta frases existencialistas.

“Puedes refrigerar tus recuerdos aquí. Pero cuando los saques de vuelta… ¿el nuevo tú serás realmente tú?”

Es cierto que a día de hoy los estudios AAA han explotado al máximo los detalles, acercando a los videojuegos a la realidad. No obstante, detalles como la particular forma de caminar de John por tener las manos en sus bolsillos, el movimiento del pasto mientras pasamos sobre él y la posibilidad de abrir y cerrar la tapa del escusado, son cosas que ayudan a la inmersión.

El estudio detrás de Eastward incluso se ha tomado la molestia de crear un RPG completamente jugable: Earth Born, un título muy inspirado en los Dragon Quest originales.

Explorando la mina he encontrado una joya

Eastward no es un juego más del montón, es un excelente juego y sin duda uno de los mejores que han salido este año. La espera ha valido la pena y el resultado deja un buen sabor de boca desde el primer bocado.

No todo es perfecto, es cierto que la ausencia de dificultad y misiones secundarias, así como una historia predecible pueden resultar molestos, pero, sus puntos positivos son mucho más grandes que sus fallas.

Acompaña a John y a Sam a descubrir todos los secretos que oculta la superficie mientras conocen agradables compañeros en el camino. Piérdete en un mundo repleto de arte, donde todo pixel tiene un propósito y revive ese mágico sentimiento que acompaña la inocencia de la niñez.



Historia: 7/10.

Gráficos: 10/10.

Jugabilidad: 8/10.

Música/Sonido: 10/10.

Ambientación: 10/10.

Media global: 9/10.

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Un estudio sobre el transhumanismo, el sexo y la condición humana

Uno de los debates más recurrentes en el mundo de los videojuegos está relacionado con la importancia que deberían tener cada uno de sus apartados. Mientras que algunos sostienen que los gráficos realistas y una buena jugabilidad debería ser la prioridad, otros optan por experiencias que brinden una buena historia. Si perteneces al segundo grupo, Essays On Empathy es para ti; de lo contrario, también deberías darle una oportunidad.

Una antología con sorpresas

Deconstructeam es un estudio independiente de videojuegos que tiene ya varios años desarrollando títulos que buscan priorizar la narrativa por encima de todo. Essays On Empathy es su tercer título comercial, siendo los dos primeros Gods Will Be Watching y The Red Strings Club; ambos proyectos nos cuentan historias futuristas donde los personajes y la interacción entre ellos se llevan la mayor parte de la atención.

Essays On Empathy nos presenta una colección de 10 títulos de este estudio, siendo 9 de ellos publicados durante distintas Game Jams en los últimos años. El décimo juego es “De Tres al Cuarto”, un curioso deckbuilder que nos pone al control de una pareja de
comediantes de dudosa calidad.

Cada título de la antología intenta abarcar distintos temas, citando al mismo equipo de desarrollo, tendremos temáticas tan variadas como: “Horror corporal y la aceptación, dinámicas opresivas en relaciones heteronormativas y la lucha personal de un asesino homosexual trabajando en una floristería”.

Aunque la calidad de cada uno de ellos es innegable, se ven limitados por ser creados bajo un tiempo muy limitado. Sin embargo, esto no es un obstáculo para un trabajo que busca transmitir un mensaje directo a través de la crítica.

Priorizando la narrativa sobre la jugabilidad

Considero que hablar de cada pieza de forma individual sería un poco injusto, pues es cierto que no todos los juegos que forman parte de Essays On Empathy gozan de la misma calidad.

A pesar de ello, todos logran destacar gracias a su originalidad. Recomiendo muy encarecidamente probar cada uno de los juegos en la forma que se encuentran ordenados, pues además de la historia con la que cuenta cada uno de ellos, se puede divisar poco a poco el rumbo que decidió tomar Deconstructeam para sus proyectos más grandes.

Por dar un ejemplo, el segundo y tercer juego, “Zen and the Art of Transhumanism” y “Supercontinent Ltd” serán conocidos para los que hayan jugado The Red Strings Club, siendo dos minijuegos que luego se retocarían e incluirían en el mismo.

A partir de este punto es donde encontramos contenido más experimental, en los cuales veremos cómo se incluyen mecánicas que se complementan perfectamente con la narrativa. Sin entrar mucho en terreno de spoilers, me gustaría comentar dos títulos que han captado mi atención:

•Behind Every Great One: Una pieza que nos pone en la piel de Victorine, una ama de casa oprimida por su esposo y que perderá el control de su casa sin darse cuenta. Nos encontramos ante una cruda historia que no escatima en tocar temas sensibles como la depresión y la ansiedad, transportando esto a sus mecánicas de una forma impecable.

•Eternal Home Floristry: ¿Qué mejor manera tiene un criminal de sanar sus heridas que tomar las riendas de una floristería? Eternal Home Floristry nos transporta a un futuro distópico en el que las flores se convierten en algo más que un simple presente.

Algo doloroso de hacer

Junto a la colección de juegos que presenta Essays On Empathy, encontramos dos contenidos adicionales para cada título: una galería de arte y un minidocumental. El primero nos muestra el proceso creativo del juego, contando con imágenes y las ideas que se tomaron en cuenta para el resultado final.

De igual forma, el segundo agregado nos cuenta algo más personal de mano de Marina Gonzáles, Paula “Fingerspit” y Jordi de Paco, los miembros de Deconstructeam. Gracias a este documental podremos sumergirnos en el trabajo que hubo detrás de cada uno de estos juegos, contándonos de una forma muy personal lo doloroso y complicado que puede resultar cuando no se está bien.

Al final del día, todos somos humanos y resulta imposible no tener caídas de vez en cuando. A pesar de las dificultades, Essays On Empathy retrata escenas cotidianas que por más surreales que parezcan, no se distancian tanto de la realidad que viven estos desarrolladores.

Como consecuencia de ello, las historias que se muestran aquí se salen de lo convencional, rompiendo lo establecido para plasmar diversidad en sus personajes.

Ponte creativo

El apartado artístico de Essays On Empathy sigue una misma fórmula a nivel visual, siendo el 90% del trabajo en Pixel Art. La única excepción a le regla la encontramos en el noveno juego, cuyos visuales se asemejan mucho a los dibujos de un cómic.

Que todo esté en hecho en Pixel Art no es un obstáculo para añadir variedad en cuanto a colores y estilos, pues conforme avancemos, notaremos cambios radicales en ambos aspectos.

En cuanto a sonido, Paula “Fingerspit” ha hecho un trabajo genial, creando melodías que acompañan de forma perfecta a cada una de las pequeñas experiencias.

Toda la banda es una mezcla de sonidos que van escalando en complejidad, contando en su mayoría con un desarrollo y un clímax increíbles. Dichos sonidos logran crear un contexto donde lo artificial y lo natural convergen, adquiriendo un carácter donde lo imposible se vuelve posible.

A veces todo lo que hace falta es un poco de empatía

Pido disculpas si me he ido por las ramas y he comentado cosas de poca importancia, pero, a decir verdad, esto es mucho más que una antología de juegos.

Essays On Empathy es una experiencia que comenta muy de cerca temas filosóficos e intrínsecos a la condición humana, abordando cada uno de ellos con cariño y cuidado. Brindándonos además la oportunidad de conocer más a fondo todo lo que se oculta detrás de cada aventura.

El equipo de Deconstructeam ha logrado consolidarse como uno de los mejores estudios independientes en España y estoy ansioso por ver lo qué nos entregarán en un futuro.
Un agradecimiento especial al equipo de Cosmocover por facilitarnos una copia del título para su análisis.

Sin importar lo que te guste jugar, siempre vale la pena disfrutar de pequeñas experiencias como Essays On Empathy. Un estudio sobre lo humano, la sexualidad, las relaciones y todo aquello que se quedará aquí cuando nosotros nos hayamos ido.
Quizás un poco de empatía es todo lo que necesitamos para lograr entendernos los unos a los otros y más allá de eso, aceptar quienes somos.



Historia: 9/10.

Gráficos: 8/10.

Originalidad: 10/10.

Música/Sonido: 8/10.

Ambientación: 9/10.

Media global: 8.8/10.

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Cuando es momento de decir adiós

Toda persona debe pasar alguna vez por las despedidas. Ya sea que te mudes, te cambies de escuela o simplemente tengas que partir, tendremos que decir adiós a alguien o a algo. No Longer Home retrata esto a la perfección, presentando una historia corta sobre lo difícil que puede ser despedirse, apoyado en gran medida por los recuerdos que se forjan con el tiempo.

En un universo tan grande, aquí nos encontramos nosotros dos, hablando

Es importante destacar que No Longer Home es una experiencia corta, muy corta de hecho. La historia cuenta con dos protagonistas: Ao, una joven japonesa que no logra encontrar su lugar, y Bo, un chico con problemas de identidad y particular gusto por las artes.

Estos dos carismáticos jóvenes por azares del destino terminan por forjar una amistad y vivir juntos. La trama se separa en dos actos, sirviendo el primero a modo de prólogo para entender un poco a los personajes y el segundo que lleva el mismo título que el juego, donde deberemos afrontar poco a poco la cruda realidad.

Antes de que No Longer Home saliera, recuerdo leer comentarios como “el juego de la mudanza” o “empacar de forma nostálgica”, algo que puede quedarse un poco corto. A decir verdad, el juego trata más sobre las relaciones humanas, los lazos que forjamos con nuestros amigos y aún más importante, con nuestro entorno.

¿Por qué tengo que escoger tan temprano?

En la sociedad actual, muchos jóvenes están obligados a escoger su destino desde una edad muy temprana. Qué desean estudiar, donde quieren vivir, trabajar, etc. No Longer Home toma toda esta incertidumbre que rodea la juventud y la resalta en cada uno de sus diálogos, llegando a tener momentos muy profundos y con los que se pueden empatizar fácilmente. Aquí también se tratarán temas fuertes como la depresión y el consumo de drogas.

Mencioné anteriormente que la historia cuenta con dos protagonistas, pero, en realidad hay un tercero mucho más importante: la casa. El lugar donde habitan Ao y Bo tienen tanto peso en la trama como sus pensamientos, cada objeto tiene su historia y razón, pudiendo interactuar con ellos y descubrir un poco más de lo que se ve a simple vista.

A nivel jugable, podemos separar a No Longer Home en dos partes. En la primera tomaremos el control de Ao o Bo, pudiendo explorar la casa e interactuar con diferentes objetos para obtener información sobre ellos. Además de esto, habrá oportunidades donde tendremos que guiar las conversaciones, escogiendo el siguiente diálogo de entre una lista de opciones.

Cada momento da tiempo de forma individual y en conjunto para desarrollar la personalidad de sus personajes. Los momentos de exploración logran algo más personal, pudiendo encontrar en el camino pequeños secretos que son una gran metáfora de lo que están viviendo. Por otro lado, las conversaciones logran transmitir un sentimiento de inseguridad y falta de motivación, encontrando un pequeño rayo de esperanza en su amistad.

Así suena lo cotidiano

Nada más empezar No Longer Home nos toparemos con una pantalla que nos recomienda utilizar audífonos, pues el sonido es la mitad de la experiencia. Más que una recomendación, diría que es una obligación, porque a nivel de sonido el título es impecable.

La banda sonora es muy relajante y es fácil perderse dentro de ella, con pistas cargadas de sonidos leves con elementos sintéticos que suenan profundos y con sentimiento.

Además de la banda sonora, tenemos un apartado sonoro completo que no escatima en nada. Aunque los personajes no tengan voces, tendremos sonidos que nos introducen de lleno en el hogar. El tráfico, vecinos hablando, pájaros cantando e incluso el fuego de una barbacoa que se siente muy real.

Cerrar los ojos y simplemente escuchar colabora con la inmersión, consiguiendo que No Longer Home brille incluso sin tener que mirar. Hablando de mirar, a nivel visual nos encontramos con unos gráficos que asemejan mucho a Untitled Goose Game, apoyándose en las figuras redondas para crear una estética inocente.

Tanto la paleta de colores como el diseño del escenario y los personajes encajan perfecto con la estética del título, acompañando de buena manera a la trama.

Ni siquiera puedes amarte a ti mismo y piensas que puedes amar a otros

No Longer Home es uno de esos juegos que amas u odias, sin puntos medios. Ciertamente, es una experiencia muy corta que pudo haber desarrollado un poquito más, pero, quizás habría arruinado el mensaje.

La juventud se acaba, el tiempo no perdona, hay que estar constantemente en movimiento y seguir avanzando para no perdernos dentro del bosque. No Longer Home conoce bien esto e intenta plasmarlo de la forma más realista posible, gracias a un guion muy bien trabajado.

La incertidumbre de crecer y lo que nos depara el futuro es algo por lo que todos tenemos que pasar alguna vez en la vida. Decir adiós nunca es algo fácil e incluso las cosas materiales más insignificantes guardan un pequeño espacio en nuestra memoria.

Son esos momentos más duros cuando la amistad logra sacarnos a flote, poniendo un poco de luz en nuestro camino y mostrándonos a donde debemos ir.

En conclusión, nos encontramos ante una experiencia corta con un estilo artístico y narrativo único. Disfruta de esta historia realista con momentos orgánicos y una banda sonora inmersiva. Porque es difícil sentir que no perteneces a ningún lugar y mucho más cuando ya no estás en casa.



Historia: 8/10.

Gráficos: 7/10.

Originalidad: 9/10.

Música/Sonido: 8/10.

Ambientación: 8/10.

Media global: 8.2/10.

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Las aventuras de Ryunosuke Naruhodo

Hace más de 5 años que en Occidente no recibimos un título nuevo de la saga Ace Attorney. Impulsado por el éxito de la remasterización de los tres primeros tres títulos de la franquicia en 2019, Capcom nos sorprende con esta nueva colección de dos títulos que nunca vieron la luz fuera del país nipón. The Great Ace Attorney Chronicles es una recopilación que incluye The Great Ace Attorney: Adventures y The Great Ace Attorney 2: Resolve, lanzados en 2015 y 2017 para la Nintendo 3DS y posteriormente en dispositivos móviles.

Cuando eliminas todo lo imposible, lo que sea que quede, debe ser la verdad

A primera vista, puede que muchos no se sientan atraídos por una historia que no continúa los acontecimientos de juegos anteriores, dejando de lado todo lo que conocíamos hasta ahora para darnos un vistazo al pasado; más específicamente en Londres y Japón de finales del siglo XIX.

En cuanto a la historia, The Great Ace Attorney Chronicles logra combinar el misterio y el humor de una forma fantástica, todo esto sin olvidarse de los momentos dramáticos que servirán como puntos de inflexión en la vida de Ryunosuke y sus compañeros.

¡El juego está en marcha!

Por supuesto, una buena historia no es nada si no está acompañada de buenos personajes, algo que The Great Ace Attorney Chronicles conoce a la perfección.

Herlock Sholmes, el detective más famoso del mundo; Iris Wilson, la escritora de sus aventuras y que con tan solo 10 años ya tiene un título de medicina; Susato Mikotoba, nuestra asistente legal que nos acompañará en las buenas y en las malas; Kazuma Asogi, nuestro compañero de clases y mejor amigo, cuyo sueño es cambiar el sistema judicial de su país. Todos estos formarán parte de nuestra travesía e irán cambiando junto a nosotros.

Usted ve, pero no observa

En cuanto a mecánicas se refiere, nos encontramos con un gameplay similar al de entregas anteriores. Los casos se separan en dos partes; en la primera deberemos investigar el escenario, hablar con los personajes y recoger pistas; la segunda se llevará a cabo en la corte y tendremos que interrogar testigos y utilizar la información que tenemos durante el juicio.

Mientras estemos en las etapas de investigación, además de las opciones predeterminadas, tendremos algunas partes especiales conocidas como “Danza de la deducción”.
La danza de la deducción la llevaremos a cabo junto a nuestro amigo Sholmes, que, a pesar de ser un buen detective, no es tan bueno deduciendo. Una vez que este termine de contar los hechos, será nuestro turno de investigar el escenario y sacar a la luz la verdad.

La unión no siempre hace la fuerza

Por otra parte, los juicios también ganan dinamismo, contando ahora con un jurado. A medida que avancemos en un juicio, es probable que los 6 miembros del jurado decidan que nuestro cliente es culpable. Llegado el momento, tendremos la oportunidad de revisar sus razones e incitarlos a que cambien de opinión. Para ello, deberemos indagar más a fondo en cada uno de los argumentos y exponer las contradicciones entre sus pensamientos.

Otra novedad durante los juicios, es la posibilidad de interrogar múltiples testigos al mismo tiempo. Esto genera un poco de caos a la hora de declarar, pues cada quien tiene un punto de vista distinto sobre los hechos.

¿Qué hay en la bóveda?

De forma adicional a lo dicho anteriormente, The Great Ace Attorney Chronicles ha agregado algunas opciones de accesibilidad. Más en concreto, nos referimos al modo historia y al juego automático.

El modo historia, como su nombre lo indica, está pensado para aquellos que desean disfrutar de la misma sin ningún impedimento. Si activamos este modo, todos los casos se irán resolviendo de forma automática, tanto el juicio como las investigaciones.

En el otro extremo, tenemos el juego automático. Este puede ser activado en cualquier momento de la partida y su función es la de avanzar los diálogos pasados un par de segundos. De esta forma, podremos leer sin tener que estar presionando para avanzar y actuar en el momento indicado.

Sumado a estas funciones especiales, también contamos con la bóveda, un apartado dedicado a recopilar información sobre el desarrollo del juego y que encantará a los fanáticos de la franquicia. Recuerda que al comprar el juego antes del 31 de agosto, obtendrás de forma gratuita contenido adicional dentro de la bóveda.

Entre el realismo y la ficción

El apartado artístico de The Great Ace Attorney Chronicles no deja nada que desear, cumpliendo con el estándar que tiene la franquicia en sus últimos juegos.

En varias ocasiones podremos ver como los personajes cambian su atuendo, añadiendo variedad al apartado visual y a los personajes en sí. Esto sumado a animaciones diversas y cómicas, hacen de The Great Ace Attorney Chronicles una especie de caricatura.

Hablando de caricaturas, también podremos encontrar pequeños fragmentos de animación en algunas partes, doblados y subtitulados al inglés.

Los escenarios mezclan fondos 2D con elementos 3D, agregando iluminación, sombras y movimientos a algunos objetos. Esta simple decisión de diseño, ayuda al jugador en la investigación, dándonos pista sobre las cosas con las que podremos interactuar.

La banda sonora de The Great Ace Attorney Chronicles acompaña perfectamente su estética, apostando por composiciones clásicas y que presentan distintas variaciones según la situación lo amerite.

Cada personaje tiene su propio tema y muchos de ellos sufrirán cambios en cuanto avancemos por la historia. De igual manera, los efectos de sonido calzan a la perfección, reforzando aún más el estilo exagerado y caricaturesco del título.

¡Objeción!

Poco más se puede agregar acerca de The Great Ace Attorney Chronicles, un título que probablemente se convierta en el favorito de muchos y que es una de los grandes juegos que nos ha dejado el 2021.

Adéntrate en un mundo lleno de misterio, drama y conspiraciones en busca de la verdad y la justicia. Ayuda al joven Ryunosuke Naruhodo en su travesía por el Imperio Británico y consigue de una vez por todas la justicia para tus clientes.

Recuerda que la verdad puede estar escondida a simple vista, y justo en ese momento tendrás que levantar tu mano y gritar ¡objeción! ¿Estás listo para usar la justicia en busca de la verdad?



Historia: 10/10.

Gráficos: 8/10.

Jugabilidad: 10/10.

Música/Sonido: 9/10.

Ambientación: 10/10.

Media global: 9.4/10.

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Lo que pasa en el tren, se queda en el tren

El terror dentro de los videojuegos es un terreno ampliamente explorado, con diversos títulos que nos generan emociones fuertes al ser nosotros los que marcamos el ritmo de la historia. Re:Turn – One Way Trip es una experiencia cuanto menos curiosa, que nos llevará a través de distintas épocas para resolver un misterio que involucra amor no correspondido, entes paranormales y venganza.

Lo que pasa en el tren, se queda en el tren

La historia de Re:Turn – One Way Trip nos pondrá al control de Saki, una joven que se encuentra de excursión en el bosque con su grupo de amigos. Tras una serie de acontecimientos, nuestra chica se verá obligada a entrar a un tren abandonado.

Dicho tren será el lugar donde transcurrirá la mayor parte del juego, pudiendo explorar en dos espacios temporales: el pasado y el presente. En ambos momentos iremos conociendo personajes que cargan secretos muy pesados consigo, manteniendo la intriga al máximo en todo momento.

Sin entrar mucho en detalle para evitar spoilers, os puedo decir que la historia está cargada de suspenso a más no poder, dejando un poco de lado el terror y centrándose más en los misterios que envuelven este vehículo a vapor.

Aclarado esto, no se puede dejar de mencionar el final de Re:Turn – One Way Trip, una conclusión que se siente apresurada y deja muchos cabos sueltos. Cabe destacar que esto está hecho así para traernos una secuela ya anunciada y con una demo que se puede probar ahora mismo en Steam. Re:Turn: 2 Runaway.

Máscaras espeluznantes y muñecas sin cabeza

Re:Turn – One Way Trip puede encasillarse en el género point and click, resumiendo sus mecánicas en ir tocando todo por ahí para encontrar lo que buscamos. A pesar de las herramientas a su disposición, la mayoría de sus acertijos no son del todo intuitivos, escondiendo objetos y soluciones en lugares aleatorios sin una razón más que la de explorar.

Además de sentirse algo pesado, el hecho de limitar el escenario (casi todo el juego transcurre dentro del tren), nos mantendrá caminando de un lado a otro en el mismo lugar.
En cuanto a los acertijos como tal, no están mal. La mayoría son simples de entender y Saki cuenta con un diario que nos dará las pistas para solucionarlos.

Todo esto en los primeros actos del juego, puesto que, para el tramo final, empiezan a aparecer algunos puzles que más que complicados, son tediosos. En estos ya no deberemos usar el ingenio y la percepción, sino simplemente ir de izquierda a derecha hasta resolver el acertijo.

Personalmente, pienso que este es uno de los puntos débiles de Re:Turn – One Way Trip, interrumpiendo de forma constante el misterio de la historia con puzles repetitivos y aburridos.

Píxeles sangrientos y melodías terroríficas

Para finalizar este análisis de Re:Turn – One Way Trip, hablemos de su apartado artístico. Sus gráficos están hechos completamente en pixelart, con un estilo atractivo a nivel visual y unas animaciones fluidas muy bien hechas.

A la hora de los diálogos y en ciertas cinemáticas, veremos el juego con unos dibujos bien logrados, mostrándonos diferentes facetas de los personajes que dan variedad al apartado gráfico.

Los entornos también son dignos de mención, haciendo un fuerte hincapié en diferenciar correctamente el paso del tiempo en el interior del vehículo.

En cuanto a su banda sonora, contribuye perfectamente para crear una atmósfera tensa, la cual nos tendrá al borde del asiento en todo momento.

Asimismo, los efectos sonoros tienen un gran trabajo detrás, siendo usados en el momento adecuado para sacar un buen susto.

Lastimosamente, ambos apartados sufren por las limitaciones del juego, cayendo en la repetividad. Menciono esto porque las pocas veces que podemos ver los exteriores en Re:Turn – One Way Trip, es notable que el trabajo hecho pudo dar para mucho más.
Algo similar pasa con la música, limitando las pistas y forzándonos a escuchar las mismas canciones todo el tiempo.

Potencial desperdiciado

Con todo lo que he dicho, parece que no me gustó ni pienso recomendarRe:Turn – One Way Trip, pero, en realidad es todo lo contrario.

El juego es una grata experiencia, acompañada de una premisa interesante y que nos mantiene expectantes por su secuela. Mi problema real es darme cuenta de todo el potencial desperdiciado que tiene la obra a causa de las barreras que se impuso.

No obstante, a pesar de sus fallos, es un buen juego que vale la pena; especialmente por su precio accesible.

Espero con ansias que Re:Turn 2 – Runaway pueda superar a su antecesor, demostrando todo de lo que es capaz el equipo de Red Ego Games y dándonos un final digno para la aventura de Saki y sus amigos.



Historia: 8/10.

Gráficos: 7/10.

Jugabilidad: 6/10.

Música/Sonido: 7/10.

Ambientación: 7/10.

Media global: 7/10.

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Un roguelite con mucho potencial

Antes que nada, debo aclarar que este vistazo a Blade Assault está hecho tomando en cuenta el estado actual del juego. El título aún se encuentra en acceso anticipado y es probable que varias de las cosas que voy a decir aquí, cambien con futuras actualizaciones.
No obstante, Blade Assault por el momento tiene contenido para un buen rato. Si eres amante de los roguelites y estás buscando una experiencia retadora y divertida, aquí podrás encontrarla.

Mutantes peligrosos y corporaciones malévolas

Blade Assault nos pondrá al control de Kil, un chico con cabello plateado que logra escapar de su confinamiento en lo que parecen unas instalaciones secretas con ayuda de Bit, un pequeño robot volador.

Tras derrotar a una serie de enemigos y antes de llegar a nuestro objetivo, caeremos de las instalaciones mientras vemos de fondo una ciudad destruida. Poco tiempo después, despertaremos en un refugio, ya que, el juego nos sitúa en un ambiente de posguerra.

La desbastadora Guerra de la Piedra Roja afectó a todos los habitantes de este mundo, dividiéndolos en tres sectores: los lugares exteriores plagados de mutantes, los refugios subterráneos y Esperanza, una ciudad gobernada por los ricos que ejercen el poder.

Kil es resultado de una serie de experimentos y con ayuda de los distintos refugiados que habitan bajo la superficie, deberemos plantarles cara a los ciudadanos de Esperanza y acabar de una vez por todas con su tiranía.

El único camino es hacia adelante

Con tanto roguelite en el mercado, los pequeños estudios deben buscar una manera de destacar sobre el resto. En este caso, el atractivo de Blade Assault es su novedoso sistema de combate, tomando inspiración de títulos como Dead Cells y agregando mecánicas de los beat ‘em up.

A diferencia de otros títulos donde podremos explorar distintas salas, descubrir secretos y planear nuestras estrategias, este juego nos presenta un solo camino a seguir. Esta decisión arriesgada, elimina uno de los factores más importantes de los roguelites dando como resultado una experiencia más arcade, donde el dominio de nuestras habilidades nos llevará a la victoria.

Otro de los aspectos destacables es que los enemigos no estarán en el mapa, sino que se generarán cuando lleguemos a cierto punto del nivel.

Esto podría darnos a pensar que el ritmo del juego lo marcamos lo nosotros, lo cual es cierto, pero, hay trampa. Blade Assault cuenta con una barra de amenaza que se llena constantemente con el tiempo, así que, entre más tiempo pases en el nivel, más duros serán los enemigos. El avance de la barra solo se reinicia cuando empezamos un nuevo recorrido o comprando un hackeo.

Por ello, será indispensable despejar las zonas rápidamente para no tener problemas llegando al final. Tomarse su tiempo está bien, pero, a la larga termina complicando las cosas.

En la unión está la fuerza

Actualmente Blade Assault pone a nuestra disposición un armamento significativo, con tres armas principales, tres núcleos elementales y muchas mejoras.

Los núcleos elementales son un añadido curioso, los cuales nos dotarán de poderes de fuego, electricidad y hielo. Estas mejoras pueden agregarse al ataque principal, al secundario, al especial e incluso al dash. Cada uno de ellos cuenta con beneficios únicos y será posible subirlos de nivel si seleccionamos dos veces el mismo.

De igual forma, cada una de las armas disponibles cuenta con ataques únicos que podrán ser alterados con mejoras o los núcleos, dándonos la oportunidad de probar distintas combinaciones y ver cuál es la más efectiva.

Para nuestra suerte, en Blade Assault no estaremos solos, ya que todos los habitantes del refugio subterráneo nos ayudarán en nuestra travesía. Dichos personajes nos ofrecerán mejoras permanentes o durante nuestro recorrido.

Desde bajar el nivel de amenaza hasta añadir efectos secundarios a nuestros ataques, tendremos suficientes opciones a escoger en donde gastar nuestras ganancias.

Todo esto será de gran utilidad para acabar con nuestros enemigos, especialmente con los jefes, los cuales son dignos de mención. Además de contar un aspecto imponente, pondrán a prueba nuestros reflejos y habilidades a la hora de esquivar y atacar.

Pura ciencia ficción

Finalmente, hablemos un poco del apartado artístico de Blade Assault. Unos gráficos pixelart preciosos hacen ver al juego de una forma espectacular, acompañados de un diseño de personajes fenomenal.

Algo a destacar son sin duda sus animaciones, las cuales son muy fluidas y están cuidadas hasta el más mínimo detalle.

La banda sonora es brutal y le queda como un guante. Mediante esta, podremos disfrutar de una experiencia donde la ciencia ficción y la agresividad convergen para crear un ritmo futurista y veloz.

Poco más puedo comentar sobre Blade Assault. Está de más decir que es un juego más que recomendable y eso que ni siquiera está terminado. Mientras se siga el rumbo que lleva, añadiendo el contenido planeado y corrigiendo los errores, este título puede apuntar a convertirse en uno de los mejores roguelites de acción disponibles a la fecha. Ponte en los zapatos de Kil y ayuda a los refugiados a demostrar de lo que son capaces.

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La distopía animal

Parece que la temática de detectives está ganando popularidad nuevamente en el mundo de los videojuegos. No obstante, todos estos han intentado algo distinto, diferenciándose a pesar de usar la misma inspiración. Este es el caso de Backbone, un curioso juego con una ciudad que esconde grandes secretos y que tendremos que descubrir mediante el don de la palabra.

Aquí hay gato encerrado

Howard Lotor es un investigador privado cuyos años dorados jamás existieron. No nos encontramos ante un protagonista frustrado porque su tiempo ya pasó, sino que tiene conflictos sobre sí mismo y su oficio.

Tomando un camino opuesto a lo que se nos suele mostrar con los protagonistas de estas historias, Howard representa el eje central de la historia que se desarrollará a lo largo de la obra.

Estando en su despacho, recibe una llamada de una cliente, la cual solicita vernos en persona. Esta señora nos cuenta que tiene sospechas de que su marido le está siendo infiel y quiere confirmarlo. El mapache acepta el trabajo.

Lo que comienza con una investigación sobre una aventura amorosa, se va desenvolviendo en una serie de eventos que cambiarán la vida de Howard y todos los que le rodean. Quizás esta sea su oportunidad para ser especial.

No quiero entrar en detalles porque cualquier mínimo desliz podría arruinar por completo la experiencia, pero, puedo decir que es algo muy original.

Como lo es propio de las distopías, el mundo que Backbone nos retrata, se esfuerza lo máximo posible por hacernos reflexionar, cuestionarnos la moral y hacer una crítica hacia nuestra sociedad. Esto se refleja también en su variopinto elenco de personajes.

A lo largo de la trama, conoceremos distintos animales que nos ayudarán en nuestra misión, como Renee, una zorra escritora y Anatoly, nuestro leal amigo castor. Todos estos tienen profundidad en mayor o menor medida y tendrán siempre algo que contarnos.

La historia de Backbone no es una historia que se acostumbre a ver en este medio. Esta es la vida de Howard, un pequeño mapache que tiene serios problemas y muchos conflictos internos. Solo por descubrir todo lo que este título tiene para contarnos, vale la pena.

La labor del detective

Nuestro miserable mapache a duras penas es capaz de pagar el arriendo de su apartamento, por lo cual no es de sorprenderse que tenga poco o nada para ejercer su labor.

Afortunadamente, es un conversador de primera, el cual no tendrá miedo de usar sus habilidades y astucia para conseguir su objetivo.

La jugabilidad de Backbone se plantea en dos secciones: exploración y conversación. En la primera, tendremos que desplazarnos por distintos escenarios, resolviendo puzles e investigando para encontrar detalles o personajes a los cuales sacarles algo de información.

En la otra parte, tenemos las conversaciones. Cuando interactuemos con un personaje, se nos pondrá a disposición una lista de frases que podremos usar para continuar la plática. Dependiendo de lo que digamos, podremos obtener información adicional y conocer un poco más sobre el mundo, los personajes y la investigación.

Pese a esto, la trama de Backbone es lineal, así que, sin importar lo que digas, la historia avanzará y acabará de la misma forma. Esa falsa sensación de libertad limita al juego en muchos aspectos. Puede que esto haya sido una decisión a nivel narrativo, a causa de los temas que se tocan a lo largo del juego. Sea cual haya sido la razón, hubiera sido genial explorar otras alternativas en cuanto al desarrollo de la trama.

Backbone no escatima en incluir diversos tópicos filosóficos y ante los cuales podremos plantear nuestra propia postura. Esto se ve reforzado por el final del juego, un clímax que puede resultar insatisfactorio para muchos, pero, que le sienta como un guante al mensaje que intenta transmitir.

De forma adicional, tendremos algunas secciones de sigilo, donde deberemos mantenernos entre las sombras y evitar a toda costa los enemigos.

La decadencia es mejor con jazz

La tendencia de combinar el pixelart con elementos 3D es algo que está siendo empleado por muchos estudios. No obstante, creo que ningún título lo ha logrado tan bien como Backbone.

El equipo de EggNut ha hecho el juego en Unreal Engine, una decisión que les ha permitido desplegar un estilo visual de primera. Además de su pixelart cuidado hasta el más mínimo detalle, se han agregado sombras, reflejos y partículas con efectos 3D.

Todo esto se complementa y otorga un resultado precioso a nivel visual. No hay nada que se sienta fuera de lugar y los momentos en los que saca todas sus cartas, son un deleite para la vista.

Los escenarios también están dotados de identidad, con una paleta de colores bien pensada y zonas que se diferencian entre sí.

En cuanto a la música de Backbone, es más de lo que estamos acostumbrados con los detectives, mucho jazz y música de bares. Pero, aquí se intenta variar un poco, añadiendo composiciones que reflejan un estilo de vida desolador, reforzando la idea de la ciudad distópica.

Ya para terminar, no me queda más que recomendar encarecidamente Backbone. No es perfecto, no es lo mejor que ha existido, pero, es una experiencia única que nos plantea un conflicto real.

Este es el viaje de un mapache común y armado con sus palabras. Enfréntate a una sociedad en decadencia mientras te cuestionas la existencia misma y las razones para seguir aquí. ¿Serás capaz de darle a Howard esos años dorados que tanto ha anhelado?



Historia: 9/10.

Gráficos: 8/10.

Jugabilidad: 7/10.

Música/Sonido: 8/10.

Ambientación: 8/10.

Media global: 8/10.

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El mejor caza recompensas de la galaxia

Me gustaría comenzar diciendo que, si solo ver la premisa y los tráileres de Mighty Goose no ha sido suficiente para que compres el juego, no tengo idea de qué lo hará.

Este título run and gun que homenajea a clásicos como Metal Slug y Mega Man, es una magnifica experiencia retro. ¡UN GANSO CON METRALLETAS, ¿QUÉ MÁS PUEDES PEDIR?!

Un ganso poderoso

Mighty Goose no es solo el título del juego, sino también el de nuestro protagonista. Junto a este curioso animal, tendremos la tarea de recorrer distintos escenarios, acabar con todo lo que se nos atraviese y dar caza al Rey Void.

Este poderoso tirano se ha propuesto conquistar la galaxia y seremos nosotros los encargados de impedirlo.

A pesar de que la historia no es el punto fuerte del juego, no está nada mal. En cada misión, se nos encargará una tarea que deberemos cumplir para avanzar. Esto puede ir desde rescatar a un prisionero hasta infiltrarnos en una fortaleza.

Las comparaciones con Metal Slug abundan desde que se desveló el juego, así que diré algo al respecto. Sí, Mighty Goose está fuertemente inspirado en la saga, pero, con un par de agregados y dejando otras cosas por fuera, es capaz de forjar una originalidad e identidad propia.

Ciertamente, si eres fanático de la conocida franquicia de SNK, muy probablemente te encante este juego. Personalmente, veo a Mighty Goose como un Sonic Mania, en el sentido de que, es un videojuego que toma lo mejor de una saga y lo adapta a los estándares modernos.

Armas potentes, vehículos destructivos y jefes gigantes

Entrando ya de lleno en sus mecánicas, nuestro ganso caza recompensas tiene a su disposición movimientos básicos como moverse, saltar, agacharse, esquivar y disparar.
Dominando estos 5 recursos, podremos avanzar por los escenarios sin mayor complicación.

Además de lo mencionado anteriormente, tendremos a nuestra disposición una característica interesante, que consiste en flotar sobre los enemigos gracias a nuestros disparos. Apuntando nuestras armas hacia el suelo, el salto se mantendrá un poco más y nos permitirá acabar con los enemigos desde arriba.

Si bien empezamos cada nivel con un arma normal, a lo largo de los niveles podremos encontrar 4 variantes de disparo: unas ametralladoras con mayor velocidad, una escopeta, un arma de rayos y un lanza cohetes. Estas variantes cuentan con munición limitada y deberemos administrarla correctamente si queremos finalizar con éxito Mighty Goose.

Al igual que el resto de armas, en algunas secciones de los niveles, encontraremos vehículos que nos facilitaran en gran medida el avance. Algunos cuentan con disparos secundarios mientras que otros nos permitirán ir más rápido.

Tanto las armas como los vehículos pueden ser comprados en el menú de pausa, con monedas que sueltan los enemigos al morir.

Al final de cada nivel, tendremos que plantarle cara a un jefe. Gracias a estos, se llevarán a cabo unos frenéticos combates donde toda la pantalla será ocupada por su cuerpo y sus ataques. Todos ellos cuentan con una barra de vida amplia y deberemos administrar bien nuestros recursos para salir vencedores.

Para ayudarnos en nuestro combate, tendremos el “Modo Mighty”, un powerup temporal que nos convierte en un grandioso ganso de guerra, incrementando nuestra cadencia de disparo y haciéndonos invencibles.

Equipamiento espacial de primera calidad

Uno de los añadidos más interesantes de Mighty Goose es su armería, lugar donde podremos equiparnos diferentes mejoras que se desbloquearán conforme progresemos.
En primer lugar, contamos con una serie de artefactos que consumen energía, incitándonos a buscar la combinación ideal que más convenga en el nivel o que mejor se adapte a nuestro estilo de juego.

Seguidamente, está el espacio para un arma secundaria. En un inicio, solo podremos graznar, pero, luego tendremos a nuestra disposición unas útiles bombas, la opción de paralizar el tiempo y otras más.

Por último, está el apartado del compañero. El compañero es un NPC que nos seguirá en todo momento, brindándonos apoyo para derrotar a los enemigos. Algunos nos suministran armas mientras que otros atacan para dejar con poca salud a nuestros contrincantes.

Si tienes a tu disposición un control adicional, un segundo jugador se puede unir a la partida para controlar al compañero. Eso sí, más que un modo para dos jugadores, es un modo de apoyo, ya que la ayuda que pueden darnos es muy limitada.

Gracias a estas opciones, tendremos varias combinaciones que dotan de rejugabilidad al juego. Recomiendo encarecidamente que prueben el New Game + al finalizar la historia principal, ya que, la recompensa es una de las mejores cosas que tiene Mighty Goose.

Píxeles explosivos y melodías rompedoras

Además de su divertido gameplay, una de las cosas más disfrutables de Mighty Goose, es su apartado artístico.

Sus gráficos pixelart son atractivos a la vista, con colores muy vibrantes y un diseño de personajes que diferencia a los enemigos entre sí. Cada escenario está hecho con mucho cariño, y no solo nos muestra una faceta, sino que alterna entre exteriores e interiores de cada nuevo planeta que visitemos.

La banda sonora es genial, con una combinación de rock y funk que le sienta de maravilla al ritmo del gameplay. Las pistas entonan muy bien con Mighty Goose, resultando en una ambientación que realmente se siente de otro planeta.

En conclusión, Mighty Goose es un excelente título, especialmente recomendado para todos los amantes de las experiencias arcade. Acompaña al poderoso ganso a acabar con la tiranía del malvado Rey Void, a base de explosiones y mucha metralla.



Historia: 6/10.

Gráficos: 7/10.

Jugabilidad: 9/10.

Música/Sonido: 8/10.

Diversión: 10/10.

Media global: 8/10.

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